24.8.10
20.8.10
Animação com Post-It
Vencedores do Webby Award 2009 e Prêmio Webby People's Voice.
Fritz e Stephen, os loucos por trás da Coca-Cola Diet e Mentos Extreme Experiences, agora causam o caos no escritório com mais de 40.000 notas pegajosas! De cachoeiras de rodas, toda essa loucura é feita de nada além de notas pegajosas - o ziguezague feito de embalagens pop-up.
Se você quiser ver como você pode fazê-lo, confira os vídeos relacionados na www.EepyBird.com.
De uma simples cascata de 40.000 notas pegajosas caindo do teto, o vídeo usa 280.951 notas pegajosas em menos de 3 minutos. E não se preocupe: eles podem ser reutilizados! E quando eles estão além do reparo, que certifique-se de reciclá-los (ou usá-los da maneira normal!).
Estes novos Sticky Note Experiments são patrocinados pela OfficeMax, Coca-Cola, e "Samurai Girl", na ABC Family. Um grande obrigado a todos por tornar isto possível! E graças a Jamie Chung e Brendan Fehr de Samurai Girl mais próximos e para estar no vídeo!
*Toscamente traduzido pelo Google.
BerlinLOOpBrasil
No site deles diz:
BerlinLOOPBrasil é baseado em uma idéia simples e original: fundir as diferentes formas de arte contemporânea, música, dança, cinema e iluminação / artes visuais. Fazendo conecções. Apresentando o intercâmbio entre dois países, duas capitais culturais, através de um show artístico contemporâneo único que rompe os paradigmas, apresenta novas tecnologias como o Loop Station, abre novos caminhos e inova o atual cenário cultural com técnicas como o Stop Motion.
Diferenciando da norma, onde geralmente, o show é centrado em apenas uma forma isolada de arte, nós abrimos o espaço para que todas as artes se unam, criando uma nova forma de arte própria, o que dá ao público uma experiência completa de entretenimento.
Reunindo artistas de renome, cada um dentro da sua área de especialização, fomentando sua comunicação, misturando as suas técnicas, know-how, tecnologias e aumentando o potencial de suas criações individuais, ao fazê-lo.
O nosso objetivo é apresentar uma visão inovadora para públicos de todas as idades e para os espectadores interessados em cultura, atraindo e possivelmente inspirando outros artistas a aprender com o nosso estilo único e levar as suas próprias aspirações adiante e além do status quo.
http://www.berlinloopbrasil.org
O espaço urbano como suporte para a arte - Luana Maia Ferreira
Encontrei este trabalho sobre arte urbana e achei bem interessante. Abaixo está o Resumo/inicio. Caso você fique curioso para ler o artigo inteiro basta clicar no título deste post.
O espaço urbano, no decorrer da história humana, foi e continua sendo palco de manifestações culturais e artísticas. A cultura se inter-relaciona e dialoga com as cidades, transformando tanto os espaços quanto as manifestações culturais. As cidades contemporâneas tornaram-se importante material para a arte, tanto como tema quanto como suporte artístico. Neste contexto, o presente trabalho pretende traçar uma análise da relação do espaço urbano com a arte contemporânea, a partir da obra de dois artistas plásticos. O primeiro, Christo Javacheff, é um dos artistas contemporâneos que explora os limites da arquitetura e do planejamento urbano. Parte da efemeridade da sociedade contemporânea, atingindo até mesmo certos espaços urbanos considerados eternos. Assim, seu trabalho perpassa pela questão da preservação e da revitalização do patrimônio cultural e natural, bem como da relação do homem com o espaço circundante, tanto urbano como rural. Neste caso, o aspecto analisado mais detidamente é a interface da obra de Christo com o contexto urbano, especificamente suas intervenções em cidades e/ou edificações entendidas como representantes do patrimônio cultural de um povo. O segundo artista, Richard Serra, produz em seu trabalho uma interação com o indeterminado e com a insatisfação, forçando os limites do espaço e investindo em sua transformação, propiciando uma nova possibilidade de inserir o homem no mundo. Foram analisadas, nos dois trabalhos, as relações que se estabeleceram entre as obras e o espaço no qual elas se inserem, na tentativa de despertar questões sobre o uso da arte como mecanismo de redescobrimento do urbano e da arquitetura como símbolos culturais. A relação entre o homem e o espaço, uma das questões centrais da problemática enfrentada pela contemporaneidade, é questionada, na medida em que os artistas procuram discutir a apropriação destes espaços, por considerá-los altamente ricos em significados.
O espaço urbano, no decorrer da história humana, foi e continua sendo palco de manifestações culturais e artísticas. A cultura se inter-relaciona e dialoga com as cidades, transformando tanto os espaços quanto as manifestações culturais. As cidades contemporâneas tornaram-se importante material para a arte, tanto como tema quanto como suporte artístico. Neste contexto, o presente trabalho pretende traçar uma análise da relação do espaço urbano com a arte contemporânea, a partir da obra de dois artistas plásticos. O primeiro, Christo Javacheff, é um dos artistas contemporâneos que explora os limites da arquitetura e do planejamento urbano. Parte da efemeridade da sociedade contemporânea, atingindo até mesmo certos espaços urbanos considerados eternos. Assim, seu trabalho perpassa pela questão da preservação e da revitalização do patrimônio cultural e natural, bem como da relação do homem com o espaço circundante, tanto urbano como rural. Neste caso, o aspecto analisado mais detidamente é a interface da obra de Christo com o contexto urbano, especificamente suas intervenções em cidades e/ou edificações entendidas como representantes do patrimônio cultural de um povo. O segundo artista, Richard Serra, produz em seu trabalho uma interação com o indeterminado e com a insatisfação, forçando os limites do espaço e investindo em sua transformação, propiciando uma nova possibilidade de inserir o homem no mundo. Foram analisadas, nos dois trabalhos, as relações que se estabeleceram entre as obras e o espaço no qual elas se inserem, na tentativa de despertar questões sobre o uso da arte como mecanismo de redescobrimento do urbano e da arquitetura como símbolos culturais. A relação entre o homem e o espaço, uma das questões centrais da problemática enfrentada pela contemporaneidade, é questionada, na medida em que os artistas procuram discutir a apropriação destes espaços, por considerá-los altamente ricos em significados.
Palhaço – O Anti-herói
“Quem morre por último é o herói, e o herói é o cabra que não teve tempo de correr”
Chico Anísio – Baiano e os Novos Caetanos
Rir para não chorar. Esse é o papel do “respeitável publico” na apresentação do palhaço. O bêbado, o burro, o louco; o palhaço é tudo o que as pessoas temem ser. Ele junta todos os antônimos de virtudes do ser humano em uma pessoa só. E quem não gosta de uma grande tragédia? Desde que não seja consigo... Partindo-se desse ponto, pode-se entender o por quê do êxtase dos romanos ao ver os gladiadores nos anfiteatros. Sim! Essas tragédias influenciaram a formação de espetáculos circenses.
O circo é um movimento. É a forma popular de resgate e entrega da poética de emocionar sem complicar. É linguagem oral e corporal, passada “de causo em causo”, geração em geração. São pessoas que não têm endereço certo e têm como único propósito a indução de sensações.
Clown é uma palavra inglesa, cuja origem remonta ao século XVI, derivada de cloyne, cloine, clowne. Sua matriz etimológica reporta a colonus e clod, cujo sentido aproximado seria homem rústico, do campo. Clod, ou clown, tinha também o sentido de lout, homem desajeitado, grosseiro, e de boor, camponês, rústico. Na pantomima inglesa o termo clown designava o cômico principal e tinha as funções de um serviçal. No universo circense o clown é o artista cômico que participa de cenas curtas e explora uma característica de excêntrica tolice em suas ações. Até meados do século XIX, no circo, o clown tinha uma participação exclusivamente parodística das atrações circenses e o termo, então, designava todos os artistas que se dedicavam à satirização do próprio circo. (Bourgy, 1999. p.17-23)
São inúmeras apresentações: trapezistas, malabaristas, equilibristas, ilusionistas; todas bonitas e admiráveis. O palhaço aparece de outra forma; é o único que desperta gargalhadas, mas também melancolia. A grossa maquiagem e a volumosa peruca que deformam o rosto como uma anomalia denunciam o sujeito como indicador da imbecilidade humana.
Augusto é o tipo de palhaço mais explorado no Brasil. Existem várias versões para o surgimento do nome. O termo augusto tem sua raiz em língua alemã. August, em dialeto berlinense, designava que as pessoas se encontravam em situação ridícula, ou ainda aquelas que se faziam de ridículas . O palhaço tem como marca característica o nariz avermelhado. Uma das versões do surgimento do nome conta que o ator teria bebido gim demais e, ao entrar no picadeiro, teria tropeçado e caído de cara no chão, resultando num nariz vermelho e inchado.
No Augusto tudo é demasiado. A roupa é larga, os calçados são imensos, a maquiagem é exagerada e enfatiza rigidamente a boca, o nariz e os olhos. É o fruto direto da sociedade industrial e de suas contradições. Surgiu em momento de grandes complicações históricas como a Revolução Industrial, que substituiu a força animal pela mecânica. Com isso, o campesino europeu assumira a condição de proletário na nova ordem social e econômica urbana. Augusto se impôs como estilização da miséria em meio àquele ambiente social decadente.
E o augusto é justamente o tipo marginal, não somente pelo seu aspecto exterior, mas sobretudo pela inaptidão generalizada em acompanhar as coisas mais simples - fracasso simbolizado pelo tropeço de sua entrada na pista. Prodígio de ineficácia que naturalmente suscita o riso em um universo ultra-racional voltado à eficácia. (Auguet, 1982, p.154-5)
Nos EUA, os palhaços passaram por uma transformação parecida. Resultante da Guerra de Secessão, que deixou milhares de vítimas maltrapilhas vagando pelas ruas. Daí surgiu o augusto tramp, ou vagabundo, figura rústica e marginalizada. Cabe a ele, portanto, a tarefa de ridicularizar as estruturas sócias e familiares, as autoridades, hierarquias e ordens diversas em uma espécie de compensação revigoradora da submissão, de amenização das dores e dos constrangimentos, enfim, um momento de suspensão da alienação dominante. É um ‘toma lá da cá’ frente à repressão do capitalismo. É a voz da antiordem e do caos, compensatória da ordem, sem a qual no haveria razão de existência.
“Os palhaços sempre falam da mesma coisa, eles falam de fome: fome de comida, fome de sexo, mas também fome de dignidade, fome de identidade, fome de poder.(...)”
Dario Fo (1982, p.83)
Não é homem nem bicho. Criado ao oposto da imagem dos grandes heróis ‘enlatados’: o fraco, o feio, medroso, pobre, desajeitado, covarde, tonto, mulherengo; o palhaço sempre obtém aprovação de jovens e adultos por conta de seu carisma. Para ser palhaço é necessária coragem para encarar de frente a realidade humana de forma crítica e concisa para conseguir transparecer exageradamente os problemas que cercam a realidade humana. Ele lança a questão. Cabe ao público entender o simples recado. Simples como poesia.
“O filho tinha vergonha do pai, por que o pai era palhaço de um circo sem futuro. O filho se formou em Direito e seguiu outro caminho. Um dia o filho visitou o pai, que já estava no leito de morte. Ele era uma pessoa muito amargurada. Então ele tirou o paletó, a gravata, se acocorou, pegou a mão do pai e disse: “Pai, me ensina a ser palhaço?”. E o pai respondeu: “Isso não se ensina seu bosta!”“.
Declamado nos shows do Cordel do Fogo encantado
Bibliografia
PIMENTA, Daniele, Antenor Pimenta - Circo e poesia, 1a edição, Imprensa Oficial do Estado de São Paulo, São Paulo 2005.
BOLOGNESI, Mario Fernando, Palhaços, ed UNESP, São Paulo 2003.
BERGSON, H. O riso:ensaio sobre a significação do cômico. Rio de Janeiro, Jorge Zahar, 1980.
Circo, Tradição e arte. Rio de janeiro, Funarte, 1987.
Sites:
http://www.pindoramacircus.arq.br/primeira.htm
http://www.edukbr.com.br/artemanhas/circo.asp
http://pt.wikipedia.org/wiki/Anti-her%C3%B3i
http://www.midiaindependente.org/pt/blue/2003/07/258466.shtml
Chico Anísio – Baiano e os Novos Caetanos
Rir para não chorar. Esse é o papel do “respeitável publico” na apresentação do palhaço. O bêbado, o burro, o louco; o palhaço é tudo o que as pessoas temem ser. Ele junta todos os antônimos de virtudes do ser humano em uma pessoa só. E quem não gosta de uma grande tragédia? Desde que não seja consigo... Partindo-se desse ponto, pode-se entender o por quê do êxtase dos romanos ao ver os gladiadores nos anfiteatros. Sim! Essas tragédias influenciaram a formação de espetáculos circenses.
O circo é um movimento. É a forma popular de resgate e entrega da poética de emocionar sem complicar. É linguagem oral e corporal, passada “de causo em causo”, geração em geração. São pessoas que não têm endereço certo e têm como único propósito a indução de sensações.
Clown é uma palavra inglesa, cuja origem remonta ao século XVI, derivada de cloyne, cloine, clowne. Sua matriz etimológica reporta a colonus e clod, cujo sentido aproximado seria homem rústico, do campo. Clod, ou clown, tinha também o sentido de lout, homem desajeitado, grosseiro, e de boor, camponês, rústico. Na pantomima inglesa o termo clown designava o cômico principal e tinha as funções de um serviçal. No universo circense o clown é o artista cômico que participa de cenas curtas e explora uma característica de excêntrica tolice em suas ações. Até meados do século XIX, no circo, o clown tinha uma participação exclusivamente parodística das atrações circenses e o termo, então, designava todos os artistas que se dedicavam à satirização do próprio circo. (Bourgy, 1999. p.17-23)
São inúmeras apresentações: trapezistas, malabaristas, equilibristas, ilusionistas; todas bonitas e admiráveis. O palhaço aparece de outra forma; é o único que desperta gargalhadas, mas também melancolia. A grossa maquiagem e a volumosa peruca que deformam o rosto como uma anomalia denunciam o sujeito como indicador da imbecilidade humana.
Augusto é o tipo de palhaço mais explorado no Brasil. Existem várias versões para o surgimento do nome. O termo augusto tem sua raiz em língua alemã. August, em dialeto berlinense, designava que as pessoas se encontravam em situação ridícula, ou ainda aquelas que se faziam de ridículas . O palhaço tem como marca característica o nariz avermelhado. Uma das versões do surgimento do nome conta que o ator teria bebido gim demais e, ao entrar no picadeiro, teria tropeçado e caído de cara no chão, resultando num nariz vermelho e inchado.
No Augusto tudo é demasiado. A roupa é larga, os calçados são imensos, a maquiagem é exagerada e enfatiza rigidamente a boca, o nariz e os olhos. É o fruto direto da sociedade industrial e de suas contradições. Surgiu em momento de grandes complicações históricas como a Revolução Industrial, que substituiu a força animal pela mecânica. Com isso, o campesino europeu assumira a condição de proletário na nova ordem social e econômica urbana. Augusto se impôs como estilização da miséria em meio àquele ambiente social decadente.
E o augusto é justamente o tipo marginal, não somente pelo seu aspecto exterior, mas sobretudo pela inaptidão generalizada em acompanhar as coisas mais simples - fracasso simbolizado pelo tropeço de sua entrada na pista. Prodígio de ineficácia que naturalmente suscita o riso em um universo ultra-racional voltado à eficácia. (Auguet, 1982, p.154-5)
Nos EUA, os palhaços passaram por uma transformação parecida. Resultante da Guerra de Secessão, que deixou milhares de vítimas maltrapilhas vagando pelas ruas. Daí surgiu o augusto tramp, ou vagabundo, figura rústica e marginalizada. Cabe a ele, portanto, a tarefa de ridicularizar as estruturas sócias e familiares, as autoridades, hierarquias e ordens diversas em uma espécie de compensação revigoradora da submissão, de amenização das dores e dos constrangimentos, enfim, um momento de suspensão da alienação dominante. É um ‘toma lá da cá’ frente à repressão do capitalismo. É a voz da antiordem e do caos, compensatória da ordem, sem a qual no haveria razão de existência.
“Os palhaços sempre falam da mesma coisa, eles falam de fome: fome de comida, fome de sexo, mas também fome de dignidade, fome de identidade, fome de poder.(...)”
Dario Fo (1982, p.83)
Não é homem nem bicho. Criado ao oposto da imagem dos grandes heróis ‘enlatados’: o fraco, o feio, medroso, pobre, desajeitado, covarde, tonto, mulherengo; o palhaço sempre obtém aprovação de jovens e adultos por conta de seu carisma. Para ser palhaço é necessária coragem para encarar de frente a realidade humana de forma crítica e concisa para conseguir transparecer exageradamente os problemas que cercam a realidade humana. Ele lança a questão. Cabe ao público entender o simples recado. Simples como poesia.
“O filho tinha vergonha do pai, por que o pai era palhaço de um circo sem futuro. O filho se formou em Direito e seguiu outro caminho. Um dia o filho visitou o pai, que já estava no leito de morte. Ele era uma pessoa muito amargurada. Então ele tirou o paletó, a gravata, se acocorou, pegou a mão do pai e disse: “Pai, me ensina a ser palhaço?”. E o pai respondeu: “Isso não se ensina seu bosta!”“.
Declamado nos shows do Cordel do Fogo encantado
Bibliografia
PIMENTA, Daniele, Antenor Pimenta - Circo e poesia, 1a edição, Imprensa Oficial do Estado de São Paulo, São Paulo 2005.
BOLOGNESI, Mario Fernando, Palhaços, ed UNESP, São Paulo 2003.
BERGSON, H. O riso:ensaio sobre a significação do cômico. Rio de Janeiro, Jorge Zahar, 1980.
Circo, Tradição e arte. Rio de janeiro, Funarte, 1987.
Sites:
http://www.pindoramacircus.arq.br/primeira.htm
http://www.edukbr.com.br/artemanhas/circo.asp
http://pt.wikipedia.org/wiki/Anti-her%C3%B3i
http://www.midiaindependente.org/pt/blue/2003/07/258466.shtml
Por Susanna Aune
Pintura: Mézz - Susanna Aune
Mézz é uma série de 20 pinturas feitas em acrílicos de embalagens de CDs com tinta acrílica. Cada pintura é feita a partir da junção de módulos pintados e sobrepostos.As imagens de cada módulo não são pensadas com antecedência, o foco está em brincar com gestualidade e rapi¬dez. A tinta acrílica é depositada no suporte transparente diretamente do tubo. São camadas grossas que formam imagens abstratas explorando diferentes possibilidades de efeitos para evidenciar a materialidade e revelar elementos pictóricos através de texturas, volumes e sobreposições.
Assim, a composição varia de acordo a incidência da luz através das sombras pro¬jetadas pelo distanciamento entre os módulos. A montagem segue padrões fundamentais de linguagem visual como a relação entre movi¬mento, figura e fundo, contraste de cores e as possibilidades de sombreamento. A moldura é a ferramenta de acabamento e junção dos módulos.
A s embalagens de CDs são cada vez menos utilizadas, uma vez que os CDs substituem-se por outras mídias digitais (como o pendrive, por exemplo). Resta, portanto, uma grande quantidade dessas embalagens no mundo. É um material acessível de baixo custo que proporciona uma produção em larga escala. O acrílico é um material que tem características que contribuem para este trabalho: é um objeto translúcido, liso e leve.
As embalagens podem ser usadas como módulos, já que têm dimensões padroniza¬das, permitindo a sua repetição não só nos sentidos horizontal e vertical como também para frente e para trás, possibilitando efeitos de profundidade. Desta forma as três dimensões são exploradas. A transparência do material permite a sobreposição dos módulos e tam¬bém a possibilidade de mutação de fundo através do deslocamento da pintura em rela¬ção ao ambiente na qual está situada.
A s caixas de CDs relacionam-se direta¬mente com a música trazendo elementos como ritmo, harmonia, equilíbrio e tom também no contexto pictórico. Essa característica aproxima-se com o que defendeu Kandinsky (1866-1944) na década de 1910 quando desenvolve o Abstra¬cionismo. Ele relacionou as cores (ondas cromáti¬cas) com o som (ondas sonoras). Da mesma forma que a cor vem aos olhos o som vem aos ouvidos. Assim, o Abstracionismo trabalha ele¬mentos, como manchas de cor e linhas, buscan¬do simbolismos subjetivos da mesma forma que a música.
A relação entre as pinturas e o jazz é o pro¬cesso de composição. Cada módulo foi pintado in¬dependente dos outros e, no final do processo foram agrupados em busca de uma relação de harmonia nas sobreposições. No jazz, o processo criativo no momento da improvisação é bem semelhante, o músico tem o tom como ponto de partida e dele podem ser feitas diversas combina¬ções. Cada instrumento possui um universo a ser ex¬plorado dentro do tom inicial, e cabe ao indivíduo escolher os elementos que compõem um resultado harmônico em relação ao grupo.
N orman McLaren (1914-1987) em suas animações, como “Boogie Doodle (1941)” utiliza formas abstratas em movimento sincronizadas ao ritmo de Jazz, com cores chapadas, formas e movimentos simples feitos manualmente.
Nas mãos espontâneas de Susanna Aune, capas de Cds transformam-se em suporte transparente, em possíveis com¬binações de camadas, em jogo de luz e sombra, em gestuali¬dade, em fetiche tátil, em brincadeira com cores.
Em dias como os últimos, de nossas quase revoluções, o humor suave e convidativo destes quadrinhos tridimensionais é como o jazz em trilha sonora de nostálgicos e coloridos desenhos animados dos tempos do bolachão.
Que haja alegria e coragem para transcender
o desperdício de nossas infinitas possibilidades.
Clara Acioli
Há o que esteja atrás? A frente é a fusão dos elementos intercambiados e tudo vira, e tudo interfere e cada elemento/indivíduo resigna-se na conjunção macia e vívida do meio que torna-se presente, que se faz passado e une. E na trasparência dos empastos, elementos distintos de toda a humanidade.
Susanna a une.
Mana Gi
Agradeço às artistas plásticas
camila soato e clara acioli
As nuvens de Vik Muniz
Escolhi a série “Quadros de Nuvens”, de 2001, porque difere-se da linguagem normalmente utilizada pelo artista. É um encontro da fotografia com a intervenção urbana e, ao mesmo tempo, aproxima-se conceitualmente da land art. É seu primeiro trabalho de arte pública. A obra consiste em fotografias (registros) de ambientes urbanos onde são inseridas no céu imagens de nuvens feitas artificialmente pela fumaça expelida por um avião contratado pelo artista.
O céu como suporte:
“No céu, onde as pessoas esperam ver nuvens, elas continuariam a ver uma nuvem, só que na forma de um desenho.” Vik Muniz
O artista retira o objeto de seu meio natural, modifica-o e o repõe novamente. A nuvem perde a sua naturalidade enquanto objeto pertencente ao seu habitat (céu) a partir do momento em que é fabricada. Porém, ao mesmo tempo, a nuvem sempre pertencerá ao céu, não causando estranhamento ao espectador mesmo que seu formato não seja natural. É como se ela estivesse sempre ali. Há uma troca, ou confusão entre o que é real ou parte da imaginação.
(...) uma obra contemporânea, ao requisitar a espacialidade do mundo em comum para individualizá-la, não possui autonomia para se desembaraçar totalmente dele (...) Uma obra contemporânea não transforma o mundo em arte, mas ao contrário solicita o espaço do mundo em comum para nele se instaurar como arte” Alberto Tassirari
Aquele objeto que por sua forma, somente poderia pertencer aos desenhos animados, ou ao universo infantil ( universos imateriais) pelo seu contorno vem à tona na realidade. O céu deixa de ser o limite para transforma-se em suporte.
Subvertendo os materiais tradicionais do desenho, o artista utiliza um avião como lápis e o céu como suporte. O trabalho impressiona por ser real; não é feito em um programa de computador ou com artimanhas durante a revelação – o que se vê é o que é: uma nuvem desenhada no céu.
Intervenção urbana?
Apesar o artista somente considerar os registros como obra, pode-se discorrer sobre o momento em que a nuvem é feita no céu como um evento. Enquanto o artista busca o melhor ângulo para eternizar a obra, há milhões de espectadores em vários pontos da cidade observando e absorvendo o momento, fato que não pode ser dissociado da obra. Porém, o fato de o artista atuar no ambiente urbano para em seguida trazer a obra para dentro da instituição traz um novo questionamento acerca do conceito de intervenção urbana a fim de discutir o limiar entre o marginal e a instituição.
“Em vez disso, impõe-se um outro tipo de intervenção: superposição, em escalas diferentes, de diversos planos, de modo a misturar todas as referências fixas, anulando as marcas tradicionais da cidade. Predileção por figuras de limite, entre o material e o virtual, a arquitetura e a pintura, o urbanismo e o cinema. Interferências simultâneas nas duas áreas implicam a justaposição delas, uma colagem que opera por contiguidade.” Nelson Brissac
Sobre Vik Muniz: www.vikmuniz.net/
Este carro ainda é um carro?
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Esta fotografia foi tirada na w3 sul. Ela faz parte de uma série de fotografias de carros abandonados aqui em Brasília. Não sei que nome daria - não tenho preocupação em nomear meus trabalhos. Gosto da forma como este carro virou parte de uma gambiarra de objetos pertencentes a inúmeros universos utilitários e de materiais possíveis em nossso mundo. Ai está!
Mais em: http://suaune.multiply.com/
Perito das cores: Damien Hirst
Damien Hirst e suas pinturas giratórias (ou Spin Paintings).
o Dicio.com.br diz que Significado de Perícia é:
s.f. Qualidade de perito; habilidade, destreza.
Exame feito por perito, isto é, por pessoa habilitada.
Mais sobre Damien Hirst em: http://www.damienhirst.com
19.8.10
Catedral Rosa
"Catedral Rosa" foi uma intervenção idealizada por Fábio Baroli e Susanna Aune. Realizada com a colaboração de um grupo de pessoas, o trabalho se constituiu ao modificar a iluminação da Catedral de Brasília através de interferências nos refletores do monumento em 28 de junho de 2006, dia do orgulho gay.
A intervenção prezou pela conservação do patrimônio, não danificando sua estrutura física. Contudo, de maneira sutil e poética, buscou questionar paradigmas histórico-sociais apontando a igreja como a grande ditadora de nortes morais e artístico-culturais em que a assepsia do branco é um gene dominante na estética modernista de Oscar Niemeyer.
Ainda em 2006, o trabalho foi convidado a participar do "multipliCIDADE", evento organizado pelo Coletivo Entretantos que promove ações e intervenções urbanas na ilha de Vitória, em Espírito Santo. Em 2010, no ano do cinquentenário da capital do país, foi homenageado pela curadora Renata Azambuja na exposição "arquivo Brasília: cidade imaginário"; e através em uma enquete popular lançada pelo Jornal Correio Braziliense, "Catedral Rosa" foi eleita a obra mais significativa dos 50 anos que marcaram a história de Brasília.
_____________________________________________
Idealização e Realização: Fábio Baroli e Susanna Aune | Colaboração: Bebel, Bel, Camila Soato, Eduardo Alves, Élisson Prado, Heber, Márcio Mota, Raquel Nava e Stanley Altoé | Filmagem local: João Angelini | Filmagem panorâmica: Luciana Paiva e Matias Monteiro | Fotografia: Wanderson França | Edição: André Valente e Fábio Baroli
A intervenção prezou pela conservação do patrimônio, não danificando sua estrutura física. Contudo, de maneira sutil e poética, buscou questionar paradigmas histórico-sociais apontando a igreja como a grande ditadora de nortes morais e artístico-culturais em que a assepsia do branco é um gene dominante na estética modernista de Oscar Niemeyer.
Ainda em 2006, o trabalho foi convidado a participar do "multipliCIDADE", evento organizado pelo Coletivo Entretantos que promove ações e intervenções urbanas na ilha de Vitória, em Espírito Santo. Em 2010, no ano do cinquentenário da capital do país, foi homenageado pela curadora Renata Azambuja na exposição "arquivo Brasília: cidade imaginário"; e através em uma enquete popular lançada pelo Jornal Correio Braziliense, "Catedral Rosa" foi eleita a obra mais significativa dos 50 anos que marcaram a história de Brasília.
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Idealização e Realização: Fábio Baroli e Susanna Aune | Colaboração: Bebel, Bel, Camila Soato, Eduardo Alves, Élisson Prado, Heber, Márcio Mota, Raquel Nava e Stanley Altoé | Filmagem local: João Angelini | Filmagem panorâmica: Luciana Paiva e Matias Monteiro | Fotografia: Wanderson França | Edição: André Valente e Fábio Baroli
Tubo de Ensaios
Tubo de Ensaios é um projeto da UnB com objetivo de experimentação entre as diversas formas das artes cênicas e linguagens artísticas no campo performático.
Alunos graduandos, pós-graduandos, artistas locais e pesquisadores participam produzindo seus números, coexistem todos juntos e ao mesmo tempo nos dias das apresentações, resultado da multiplicação e recriação de metodologias artísticas
A ideia de performances coletivas em locais inusitados - é a marca registrada do projeto que se realiza há 10 anos.
A edição “Brasílias”
A edição comemorativa trará, além da novidade temática, as oficinas preparatórias.
O tema será explorado por meio da história da UnB e de Brasília, a ser contada pelas apresentações. Essas por sua vez, serão fruto das oficinas preparatórias.
As oficinas ocorrerão nas Semanas Preparatórias do Tubo de Ensaios, quando os interessados inscritos, terão 20 dias para produzirem em conjunto sua peça performática.Esses resultados serão as apresentações finais a serem apresentadas nos dois dias do evento.
As inscrições serão gratuitas.
Serviço
Tubo de Ensaios 2010 'Brasílias'
Quando: 21 e 22 de agosto de 2010
Onde: Instituto Central de Ciências - ICC, Entrada sul –
Campus Universitário Darcy Ribeiro – UnB – Asa Norte – Brasília, DF.
Horário: dia 21 Sábado às 21h e no dia 22 domingo às 20h
BLOG: http://www.tubodeensaiosunb.blogspot.com/
Sobre arte na cidade
Nelson Brissac diz: O artista não busca lugares particularmente dotados de significado histórico ou imaginário já garantido. Ele não trabalha com a imagem deles, mas essa confrontação espacial. Ele procura converter esses locais de trânsito, típicos de nossa dinâmica urbana moderna, em locais de experiência.
BRISSAC, Nelson. Arte e cidade. In: MIRANDA, Danilo Santos de (coord.). Arte Pública. São Paulo: Sesc, 1998.
BRISSAC, Nelson. Arte e cidade. In: MIRANDA, Danilo Santos de (coord.). Arte Pública. São Paulo: Sesc, 1998.
Intervenção urbana: Alexandre Órion
O Itau Cultural diz:Alexandre Orion Criscuolo (São Paulo SP 1978). Artista visual, fotógrafo e designer. Inicia, como autodidata, em 1993, seu trabalho com grafite e arte pública, e, em 2001, com fotografia. Em 2004, gradua-se em artes visuais pela Faculdade Montessori - Famec, São Paulo. Cria, em 2002, o projeto Metabiótica, em que suas pinturas realizadas nos muros da cidade, intencionalmente produzem relações visuais com os transeuntes e o espaço urbano. Essa interação entre as figuras pintadas e as situações reais é registrada em fotografias, que são o resultado final do trabalho. É autor, em parceria com Monica Murakami, do curta-metragem Uma Janela para o Mundo, produzido em 2002, e, em 2004, de Desdobramento Rua Augusta, produzido pela Big Bonsai. No mesmo ano, cria a instalação Desdobramento I, realizada nos elevadores da Galeria Ouro Fino, em São Paulo, durante o Projeto Coisa Fina. Participa, em 2005, das mostras Amalgames Brésiliens, em Mantes-la-Jolie, e Rencontres Parallèles, no Centre d'Art Contemporain de Basse-Normandie, em Hérouville Saint-Clair, ambas na França. Em 2006, inicia a intervenção urbana Ossário, na qual utiliza apenas panos para remover a fuligem impregnada nas paredes do Túnel Max Feffer, na cidade de São Paulo, criando imagens de caveiras humanas.
Juan Pablo Zaramella
Juan Pablo Zaramella nasceu em 07 de abril de 1972 em Buenos Aires, Argentina.
Formado pelo Instituto de Cinema de Animação Diretor Avellaneda, começou sua carreira fazendo animação para publicidade.
Em 1998 começou a trabalhar com o jornal Clarín fazendo ilustrações e computação gráfica. Essas obras ganharam vários prêmios da Society of News Design (SND) e Malofiej (Espanha).
Desde 2000, Zaramella começou a produzir seus curtas-metragens independentes, como produtor Cornillon Silvina. Este trabalho ganhou um significativo reconhecimento por todo o mundo. Na Argentina, seus filmes foram obtidos por dois anos consecutivos o prêmio de Melhor Curta-Metragem do ano atribuído pelo Instituto de Cinema e Artes Audiovisuais (INCA).
Ele está terminando um novo filme curto sobre a técnica de pixilation, diz o seu site oficial http://www.zaramella.com.ar/, toscamente traduzido por mim.
18.8.10
Norman McLaren
A Wiki diz: Norman McLaren (Stirling, 11 de Abril de 1914 — Montreal, 26 de Janeiro de 1987) foi um dos mais importantes animadores escoceses voltados para a animação artística, teve a maioria de seus trabalhos patrocinado pela "Secretaria Nacional de Cinema do Canadá", onde realizou grandes obras. Uma das técnicas pela qual ficou consagrado foi a de fazer animação direto na película, riscando e desenhando, tudo isso ao som de jazz que era muito fã.
15.8.10
artereferência
Como trabalho de conclusão da disciplina Tecnologias Contemporâneas na Arte Educação, proponho como experiência didática um ambiente eletrônico onde serão colocadas referências de tudo que possa ser relacionado com arte contemporânea. A utilização do blog (diário eletrônico) como ferramenta de dispersão de conhecimento é uma forma prática, direta e acessível de informar-se sobre diversos temas no meio virtual.
A escolha de utilizar esta mídia como suporte do trabalho vem do principio do blog ser um instrumento que pode ser visitado por qualquer pessoa que se interesse pelo tema sugerido. Além de deixar o internauta livre para ver (ou não) o que quiser; pular para o próximo tema etc. ele ainda pode deixar seu comentário sobre o tema sugerido e participar de enquetes dando assim o seu retorno.
Decidi construir um blog de referências onde se encontram informações sobre arte de um modo geral. É um site constituído de notícias, links, vídeos, textos, citações e imagens sobre arte contemporânea. Para os que procuram informações e idéias, ArteReferência disponibiliza diferentes trabalhos de linguagens variadas além de salpicar artigos e textos de pessoas que pensam arte.
O trabalho aproxima-se da idéia de um glossário. A diferença é que sua organização não é feita em ordem alfabética. O blog não tem um índice e muito menos todos os tipos de arte produzidos no mundo. De forma despretensiosa, o ArteReferência lança seu conteúdo de forma despojada e livre para que seja acessado da forma como se quiser, sem regras e sem bloqueios.
A diferença entre o artereferência e uma comunidade de aprendizagem tradicional é que ele não se prende a um conteúdo especifico e nem a um publico especifico. O blog é universal no sentido temático e acessível por pessoas de qualquer idade.
Divirta-se!
A escolha de utilizar esta mídia como suporte do trabalho vem do principio do blog ser um instrumento que pode ser visitado por qualquer pessoa que se interesse pelo tema sugerido. Além de deixar o internauta livre para ver (ou não) o que quiser; pular para o próximo tema etc. ele ainda pode deixar seu comentário sobre o tema sugerido e participar de enquetes dando assim o seu retorno.
Decidi construir um blog de referências onde se encontram informações sobre arte de um modo geral. É um site constituído de notícias, links, vídeos, textos, citações e imagens sobre arte contemporânea. Para os que procuram informações e idéias, ArteReferência disponibiliza diferentes trabalhos de linguagens variadas além de salpicar artigos e textos de pessoas que pensam arte.
O trabalho aproxima-se da idéia de um glossário. A diferença é que sua organização não é feita em ordem alfabética. O blog não tem um índice e muito menos todos os tipos de arte produzidos no mundo. De forma despretensiosa, o ArteReferência lança seu conteúdo de forma despojada e livre para que seja acessado da forma como se quiser, sem regras e sem bloqueios.
A diferença entre o artereferência e uma comunidade de aprendizagem tradicional é que ele não se prende a um conteúdo especifico e nem a um publico especifico. O blog é universal no sentido temático e acessível por pessoas de qualquer idade.
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